Der Film entfaltet sich in drei Episoden, die lose miteinander verbunden sind und dennoch eine erstaunliche innere Kohärenz besitzen. 1908 entdeckt die erste Studentin der Marburger Universität, gespielt von Luna Wedler, durch die Linse ihrer Kamera eine Ordnung im Kleinen, im Blatt, im Pflanzengewebe. In einer Zeit, in der Frauen im Hörsaal noch eine Sensation sind, wird ihr Blick auf die Pflanzenwelt zugleich zu einem Akt der Emanzipation. 1972 folgt die Geschichte eines jungen Studenten, der über eine einfache Geranie zu einer fast existenziellen Erfahrung findet. Es ist eine Episode voller Sanftheit, getragen vom Gefühl der 70er-Jahre: Aufbruch, Experiment, ein vorsichtiger Widerstand gegen Konventionen.

2020 schließlich, mitten in der Corona-Pandemie, begegnen wir einem Neurowissenschaftler aus Hongkong (Tony Leung). Er erforscht die Hirnaktivitäten von Babys und richtet plötzlich seine wissenschaftliche Neugier auf den Baum. Im selben Zeitraum tritt auch Dr. Alice Sauvage (Léa Seydoux) auf, eine weltbekannte Botanikerin, die gemeinsam mit dem brillanten Neurobiologen versucht, die geheimnisvollen Verbindungen zwischen Mensch und Pflanze zu erforschen, insbesondere zu jenem Ginkgo, der das Zentrum der Geschichte bildet.

Was als rationales Experiment beginnt, öffnet sich zu etwas Rätselhafterem: eine leise, intime Begegnung mit einem Lebewesen, das nicht spricht, nicht antwortet, aber da ist. Enyedi erzählt diese Geschichten mit größter Ruhe, mit einem Gespür für das Unspektakuläre, das sich allmählich in etwas Großes verwandelt. Die Kamera verweilt auf Details: das Zittern eines Blattes im Wind, die feinen Linien einer Pflanzenstruktur, das changierende Licht zwischen den Jahreszeiten. Es ist ein Kino der Wahrnehmung, das den Zuschauer nicht mit Handlung überfällt, sondern ihn einlädt, langsamer zu werden, genauer hinzusehen.

Manche Szenen wirken wie aus einer Naturdokumentation, andere erinnern an testhafte 4K-Bilder, die technische Perfektion mit hypnotischer Ruhe verbinden. Doch in dieser Spannung liegt die Kraft: Das Alltägliche wird ungewöhnlich, das scheinbar Nebensächliche rückt in den Mittelpunkt. Ein zentrales Motiv des Films ist die Wissenschaft, allerdings nicht in ihrer nüchternen, messenden Form, sondern als Neugier, als kindliche Lust am Entdecken. Der Film feiert die Forschung als eine Art Poesie, die nicht alle Antworten kennt, aber Fragen stellt. Dass eine Pflanze uns letztlich fremd bleibt, dass wir nie wissen werden, „wie es ist, ein Baum zu sein“, wird nicht als Scheitern verstanden, sondern als Chance. Wir erkennen uns in unserer Begrenztheit, und genau darin liegt Würde.

Die Starbesetzung mit Tony Leung und Léa Seydoux sorgt für internationale Aufmerksamkeit. Leung, der sonst oft in stillen, melancholischen Rollen brilliert, bringt hier eine fast ungewohnte Verletzlichkeit ein: ein Forscher, der den eigenen Halt verliert, während er versucht, den Baum zu „verstehen“. Seydoux spielt zurückgenommen, beinahe spröde, auch das ein kluger Kontrapunkt zu ihrer sonstigen Leinwandpräsenz. Und doch: Die eigentliche Hauptrolle gehört dem Ginkgo. Die Schauspieler, so bekannt sie sein mögen, treten zurück, lassen den Raum offen für die eigentliche Begegnung zwischen Mensch und Natur. Auch die deutschen Darsteller können durch die Bank weg mit dem internationalen Staraufgebot mithalten.

Mit zweieinhalb Stunden Laufzeit ist Silent Friend kein leichtes Kino. Manche Episoden enden abrupt, zwei der drei Geschichten bleiben ohne klare Auflösung. Aber auch das entspricht der Haltung: Das Leben kennt selten perfekte Schlüsse. Am Ende bleibt das Gefühl, ein Stück Weg mit diesen Figuren gegangen zu sein. Für manche mag das ermüdend sein, für andere ist es vielleicht eines der poetischsten Werke des Jahres: Eine Einladung zum Innehalten in einer Welt, die sich immer schneller dreht. Enyedi hat keinen politischen Film gedreht, sondern einen Rückzugsraum geschaffen, in dem Fragen nach Zugehörigkeit, Vergänglichkeit und Verbundenheit leise gestellt werden. Dass dies gerade jetzt, in Zeiten der Unsicherheit, eine besondere Wirkung entfaltet, ist kein Zufall.

Am Ende steht dieser Baum. Verwurzelt in Marburg, größer gemacht durch Spezialeffekte, aber immer doch er selbst. Er überdauert Generationen, Ideen, Ideologien. Während die Figuren kommen und gehen, forschen, lieben, scheitern, wächst er einfach weiter. Silent Friend ist damit mehr als nur ein Film über Natur: Es ist ein Film über unser Menschsein, über unsere Fragilität und unsere Sehnsucht, irgendwo dazuzugehören.

Nach einem weiteren Film (May in the Summer aus dem Jahr 2013), in dem sie selbst die Hauptrolle übernahm, und zahlreichen TV-Arbeiten liefert Dabis nun mit Im Schatten des Orangenbaums ein auf historischen Ereignissen und persönlichen Erfahrungen basierendes Familiendrama, das drei Generationen umspannt. Das Werk beginnt im besetzten Westjordanland im Jahr 1988. Bei einer Demonstration gegen die israelische Besatzung zieht sich der jugendliche Noor (Muhammad Abed Elrahman) schwere Verletzungen zu. Seine Mutter Hanan (verkörpert von Dabis selbst) schildert daraufhin die Geschichte ihrer Familie.

Sie werde erzählen, wer ihr Sohn sei, sagt Hanan. Es wirkt, als richte die Figur ihren Blick dabei direkt in die Kamera. Wir werden quasi persönlich adressiert, wodurch der Film klarmacht, dass dies keine Erzählung ist, die sich nebenbei, ohne große Aufmerksamkeit verfolgen lässt. Vielmehr ist es der Einstieg in ein Epos, das auf die Erlebnisse von Noors Großvater Sharif (Adam Bakri) in Jaffa im Jahr 1948 zurückschaut und sich dann durch die Dekaden bis zum Anfangspunkt des Films bewegt und schließlich im Jahr 2022 landet.

Wir lernen Sharifs Frau Munira (Maria Zreik) und die vier gemeinsamen Kinder kennen – darunter Hanans zukünftiger Ehemann und Noors Vater Salim (in jung: Salah Al Din; später: Saleh Bakri). In einer zunächst harmonisch anmutenden Sequenz sitzt die Familie am Esstisch und redet über Poesie, als plötzlich durch einen Bombenangriff die schreckliche Realität des Krieges in den Alltag einschlägt. Sharif will Jaffa nicht verlassen; er möchte das Haus und den familiären Orangenhain nicht zurücklassen. Bald wird er jedoch verhaftet.

An anderer Stelle hält Dabis fest, wie der kleine Noor (Sanad Alkabareti) in den 1970er Jahren mitansehen muss, wie sein Vater auf dem Nachhauseweg von einem israelischen Soldaten gedemütigt wird – was entscheidend dazu beiträgt, dass er sich als Teenager radikalisiert. Der Film veranschaulicht, was generationsübergreifende Traumata anrichten können, wehrt sich aber gegen eine durchweg pessimistische Sicht und ist nicht daran interessiert, Hass zu schüren. „Menschlichkeit ist eine Form des Widerstands“, heißt es in einer Szene. Durch die komplex gezeichneten Figuren, die voller Angst sind und dennoch die Hoffnung nicht aufgeben wollen, wird Im Schatten des Orangenbaums zu einem mitreißenden Film.

Der Film entfaltet sich in drei Episoden, die lose miteinander verbunden sind und dennoch eine erstaunliche innere Kohärenz besitzen. 1908 entdeckt die erste Studentin der Marburger Universität, gespielt von Luna Wedler, durch die Linse ihrer Kamera eine Ordnung im Kleinen, im Blatt, im Pflanzengewebe. In einer Zeit, in der Frauen im Hörsaal noch eine Sensation sind, wird ihr Blick auf die Pflanzenwelt zugleich zu einem Akt der Emanzipation. 1972 folgt die Geschichte eines jungen Studenten, der über eine einfache Geranie zu einer fast existenziellen Erfahrung findet. Es ist eine Episode voller Sanftheit, getragen vom Gefühl der 70er-Jahre: Aufbruch, Experiment, ein vorsichtiger Widerstand gegen Konventionen.

2020 schließlich, mitten in der Corona-Pandemie, begegnen wir einem Neurowissenschaftler aus Hongkong (Tony Leung). Er erforscht die Hirnaktivitäten von Babys und richtet plötzlich seine wissenschaftliche Neugier auf den Baum. Im selben Zeitraum tritt auch Dr. Alice Sauvage (Léa Seydoux) auf, eine weltbekannte Botanikerin, die gemeinsam mit dem brillanten Neurobiologen versucht, die geheimnisvollen Verbindungen zwischen Mensch und Pflanze zu erforschen, insbesondere zu jenem Ginkgo, der das Zentrum der Geschichte bildet.

Was als rationales Experiment beginnt, öffnet sich zu etwas Rätselhafterem: eine leise, intime Begegnung mit einem Lebewesen, das nicht spricht, nicht antwortet, aber da ist. Enyedi erzählt diese Geschichten mit größter Ruhe, mit einem Gespür für das Unspektakuläre, das sich allmählich in etwas Großes verwandelt. Die Kamera verweilt auf Details: das Zittern eines Blattes im Wind, die feinen Linien einer Pflanzenstruktur, das changierende Licht zwischen den Jahreszeiten. Es ist ein Kino der Wahrnehmung, das den Zuschauer nicht mit Handlung überfällt, sondern ihn einlädt, langsamer zu werden, genauer hinzusehen.

Manche Szenen wirken wie aus einer Naturdokumentation, andere erinnern an testhafte 4K-Bilder, die technische Perfektion mit hypnotischer Ruhe verbinden. Doch in dieser Spannung liegt die Kraft: Das Alltägliche wird ungewöhnlich, das scheinbar Nebensächliche rückt in den Mittelpunkt. Ein zentrales Motiv des Films ist die Wissenschaft, allerdings nicht in ihrer nüchternen, messenden Form, sondern als Neugier, als kindliche Lust am Entdecken. Der Film feiert die Forschung als eine Art Poesie, die nicht alle Antworten kennt, aber Fragen stellt. Dass eine Pflanze uns letztlich fremd bleibt, dass wir nie wissen werden, „wie es ist, ein Baum zu sein“, wird nicht als Scheitern verstanden, sondern als Chance. Wir erkennen uns in unserer Begrenztheit, und genau darin liegt Würde.

Die Starbesetzung mit Tony Leung und Léa Seydoux sorgt für internationale Aufmerksamkeit. Leung, der sonst oft in stillen, melancholischen Rollen brilliert, bringt hier eine fast ungewohnte Verletzlichkeit ein: ein Forscher, der den eigenen Halt verliert, während er versucht, den Baum zu „verstehen“. Seydoux spielt zurückgenommen, beinahe spröde, auch das ein kluger Kontrapunkt zu ihrer sonstigen Leinwandpräsenz. Und doch: Die eigentliche Hauptrolle gehört dem Ginkgo. Die Schauspieler, so bekannt sie sein mögen, treten zurück, lassen den Raum offen für die eigentliche Begegnung zwischen Mensch und Natur. Auch die deutschen Darsteller können durch die Bank weg mit dem internationalen Staraufgebot mithalten.

Mit zweieinhalb Stunden Laufzeit ist Silent Friend kein leichtes Kino. Manche Episoden enden abrupt, zwei der drei Geschichten bleiben ohne klare Auflösung. Aber auch das entspricht der Haltung: Das Leben kennt selten perfekte Schlüsse. Am Ende bleibt das Gefühl, ein Stück Weg mit diesen Figuren gegangen zu sein. Für manche mag das ermüdend sein, für andere ist es vielleicht eines der poetischsten Werke des Jahres: Eine Einladung zum Innehalten in einer Welt, die sich immer schneller dreht. Enyedi hat keinen politischen Film gedreht, sondern einen Rückzugsraum geschaffen, in dem Fragen nach Zugehörigkeit, Vergänglichkeit und Verbundenheit leise gestellt werden. Dass dies gerade jetzt, in Zeiten der Unsicherheit, eine besondere Wirkung entfaltet, ist kein Zufall.

Am Ende steht dieser Baum. Verwurzelt in Marburg, größer gemacht durch Spezialeffekte, aber immer doch er selbst. Er überdauert Generationen, Ideen, Ideologien. Während die Figuren kommen und gehen, forschen, lieben, scheitern, wächst er einfach weiter. Silent Friend ist damit mehr als nur ein Film über Natur: Es ist ein Film über unser Menschsein, über unsere Fragilität und unsere Sehnsucht, irgendwo dazuzugehören.

Die FBI-Schülerin Clarice Starling (Jodie Foster) erhält den Auftrag, sich an der Jagd nach dem Serienmörder „Buffalo Bill“ (Ted Levine) zu beteiligen. Ausgerechnet der kannibalistische Serientäter Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), der sich im Hochsicherheitstrakt befindet, soll dem FBI bei den Ermittlungen helfen. Alsbald beginnt zwischen der jungen Frau und dem eigenartig kultivierten, manipulativen Killer ein perfides Psychospiel.

Das Schweigen der Lämmer gewann fünf Oscars – in den sogenannten Big-Five-Kategorien: „Bester Film“, „Beste Regie“, „Bester Hauptdarsteller“, „Beste Hauptdarstellerin“ und „Bestes Drehbuch“. All diese Siege sind absolut nachvollziehbar, gerade auch der für Anthony Hopkins als Leading Man, der zwar nur ungefähr 16 Minuten in dem knapp zweistündigen Werk zu sehen ist, in dieser kurzen Zeit aber so prägnant in Erscheinung tritt, dass er sich damit bis in alle Ewigkeit in die Popkultur eingeschrieben hat.

Hopkins verleiht der Rolle des Hannibal Lecter etwas Mephistophelisches, das in dieser enormen Zuspitzung leicht ins Übertrieben-Lächerliche hätte kippen können, hier jedoch perfekt dosiert ist. Seine oft kopierte und nicht selten auch parodierte Art, die boshafte List des hochintelligenten Ex-Psychiaters durch intensive Blicke und verstörende Laute zu vermitteln, hat trotz der zahlreichen Nachahmungen nichts von ihrer Wirkung verloren.

Ebenso beeindruckend ist die Verkörperung von Jodie Foster. Clarice Starling ist psychisch extrem belastet und im ständigen Kampf mit sich und ihrer männerdominierten Umwelt. Durch subtile Gesten zeigt Foster, wie die Ermittlerin unentwegt unter Spannung steht. In der von Jonathan Demme und dem Kameramann Tak Fujimoto virtuos erfassten Interaktion zwischen Clarice und Hannibal muss Clarice in den Aufnahmen, die ihr Gesicht einfangen, stets um ihre Position im Bildrahmen kämpfen, da sie droht, aus dem Bild herausgedrängt zu werden. An anderer Stelle macht Demme etwa durch die Größenverhältnisse in einer Einstellung deutlich, welchen Machtstrukturen Clarice in ihrem Beruf ausgesetzt ist.

Demme erweist sich hier als versierter visueller Erzähler. Er erzeugt eine dichte, düstere Atmosphäre – und spielt so clever mit filmischen Konventionen wie der Parallelmontage, dass Das Schweigen der Lämmer auch fast 35 Jahre nach der Uraufführung noch mitreißen und verblüffen kann.

Der Film entfaltet sich in drei Episoden, die lose miteinander verbunden sind und dennoch eine erstaunliche innere Kohärenz besitzen. 1908 entdeckt die erste Studentin der Marburger Universität, gespielt von Luna Wedler, durch die Linse ihrer Kamera eine Ordnung im Kleinen, im Blatt, im Pflanzengewebe. In einer Zeit, in der Frauen im Hörsaal noch eine Sensation sind, wird ihr Blick auf die Pflanzenwelt zugleich zu einem Akt der Emanzipation. 1972 folgt die Geschichte eines jungen Studenten, der über eine einfache Geranie zu einer fast existenziellen Erfahrung findet. Es ist eine Episode voller Sanftheit, getragen vom Gefühl der 70er-Jahre: Aufbruch, Experiment, ein vorsichtiger Widerstand gegen Konventionen.

2020 schließlich, mitten in der Corona-Pandemie, begegnen wir einem Neurowissenschaftler aus Hongkong (Tony Leung). Er erforscht die Hirnaktivitäten von Babys und richtet plötzlich seine wissenschaftliche Neugier auf den Baum. Im selben Zeitraum tritt auch Dr. Alice Sauvage (Léa Seydoux) auf, eine weltbekannte Botanikerin, die gemeinsam mit dem brillanten Neurobiologen versucht, die geheimnisvollen Verbindungen zwischen Mensch und Pflanze zu erforschen, insbesondere zu jenem Ginkgo, der das Zentrum der Geschichte bildet.

Was als rationales Experiment beginnt, öffnet sich zu etwas Rätselhafterem: eine leise, intime Begegnung mit einem Lebewesen, das nicht spricht, nicht antwortet, aber da ist. Enyedi erzählt diese Geschichten mit größter Ruhe, mit einem Gespür für das Unspektakuläre, das sich allmählich in etwas Großes verwandelt. Die Kamera verweilt auf Details: das Zittern eines Blattes im Wind, die feinen Linien einer Pflanzenstruktur, das changierende Licht zwischen den Jahreszeiten. Es ist ein Kino der Wahrnehmung, das den Zuschauer nicht mit Handlung überfällt, sondern ihn einlädt, langsamer zu werden, genauer hinzusehen.

Manche Szenen wirken wie aus einer Naturdokumentation, andere erinnern an testhafte 4K-Bilder, die technische Perfektion mit hypnotischer Ruhe verbinden. Doch in dieser Spannung liegt die Kraft: Das Alltägliche wird ungewöhnlich, das scheinbar Nebensächliche rückt in den Mittelpunkt. Ein zentrales Motiv des Films ist die Wissenschaft, allerdings nicht in ihrer nüchternen, messenden Form, sondern als Neugier, als kindliche Lust am Entdecken. Der Film feiert die Forschung als eine Art Poesie, die nicht alle Antworten kennt, aber Fragen stellt. Dass eine Pflanze uns letztlich fremd bleibt, dass wir nie wissen werden, „wie es ist, ein Baum zu sein“, wird nicht als Scheitern verstanden, sondern als Chance. Wir erkennen uns in unserer Begrenztheit, und genau darin liegt Würde.

Die Starbesetzung mit Tony Leung und Léa Seydoux sorgt für internationale Aufmerksamkeit. Leung, der sonst oft in stillen, melancholischen Rollen brilliert, bringt hier eine fast ungewohnte Verletzlichkeit ein: ein Forscher, der den eigenen Halt verliert, während er versucht, den Baum zu „verstehen“. Seydoux spielt zurückgenommen, beinahe spröde, auch das ein kluger Kontrapunkt zu ihrer sonstigen Leinwandpräsenz. Und doch: Die eigentliche Hauptrolle gehört dem Ginkgo. Die Schauspieler, so bekannt sie sein mögen, treten zurück, lassen den Raum offen für die eigentliche Begegnung zwischen Mensch und Natur. Auch die deutschen Darsteller können durch die Bank weg mit dem internationalen Staraufgebot mithalten.

Mit zweieinhalb Stunden Laufzeit ist Silent Friend kein leichtes Kino. Manche Episoden enden abrupt, zwei der drei Geschichten bleiben ohne klare Auflösung. Aber auch das entspricht der Haltung: Das Leben kennt selten perfekte Schlüsse. Am Ende bleibt das Gefühl, ein Stück Weg mit diesen Figuren gegangen zu sein. Für manche mag das ermüdend sein, für andere ist es vielleicht eines der poetischsten Werke des Jahres: Eine Einladung zum Innehalten in einer Welt, die sich immer schneller dreht. Enyedi hat keinen politischen Film gedreht, sondern einen Rückzugsraum geschaffen, in dem Fragen nach Zugehörigkeit, Vergänglichkeit und Verbundenheit leise gestellt werden. Dass dies gerade jetzt, in Zeiten der Unsicherheit, eine besondere Wirkung entfaltet, ist kein Zufall.

Am Ende steht dieser Baum. Verwurzelt in Marburg, größer gemacht durch Spezialeffekte, aber immer doch er selbst. Er überdauert Generationen, Ideen, Ideologien. Während die Figuren kommen und gehen, forschen, lieben, scheitern, wächst er einfach weiter. Silent Friend ist damit mehr als nur ein Film über Natur: Es ist ein Film über unser Menschsein, über unsere Fragilität und unsere Sehnsucht, irgendwo dazuzugehören.

Zwei Jahre lang hat der Filmemacher Stefan Sick (Das innere Leuchten) vier Mädchen in einer Einrichtung der Evangelischen Jugendhilfe in Baden-Württemberg mit der Kamera begleitet. Sie wohnen in einer kleinen stationären, sozialpädagogisch betreuten Gruppe. Wie ist der Alltag in einer solchen Einrichtung, wie entwickeln sich die Mädchen, die hier nicht wirklich sein wollen? Seit dem Spielfilm Systemsprenger weiß das Kinopublikum, dass manche Kinder von Einrichtung zu Einrichtung weitergereicht werden, weil sie sich nicht integrieren lassen, weil sie weglaufen, immer wieder in blinde Wut ausbrechen.

Auch Lena rastet schnell aus, ihre „Impulsdurchbrüche“ werden in den regelmäßigen Gesprächen der Betreuerinnen mit dem Vater und ihr selbst thematisiert. Im Laufe der filmischen Beobachtung aber verändert sich Lena zu einer aufgeschlossenen, hilfsbereiten Person. Dass sich die Produktionsfirma Ama Film auf einen der selten werdenden Dokumentarfilme mit unsicherem Verlauf und längerer Entstehungsdauer einließ, hat ihr auf dem DOK.fest München 2025 den VFF-Produktionspreis eingebracht.

Über die Mädchen erfährt man nur das, was sich in den beobachteten Situationen ergibt. Auf Kommentare verzichtet Sick. So wird nur beiläufig erwähnt, dass manche Mädchen Medikamente einnehmen müssen, der schulische Alltag bleibt ganz außen vor. Vieles, wovon die Rede ist, lässt sich kaum nachvollziehen, weil es nicht gezeigt wurde, zum Beispiel bekommt man nur häppchenweise Einblicke in die Tagesstruktur der Mädchen und den Kreis ihrer Betreuerinnen. Es fällt offenbar allen Mädchen schwer, sich von Fremden etwas sagen zu lassen, die nur langsam zu Bezugspersonen werden. Gerade daher mutet es manchmal viel verlangt an, wenn die Betreuerinnen Selbstreflexion von ihnen fordern, Einsicht in unangemessenes Verhalten.

Es gibt viele Konflikte auszutragen in der Wohngruppe, aber es ergeben sich auch viele Momente der Geborgenheit und Nähe. Dennoch bleibt fraglich, inwiefern die Mädchen akzeptieren, dass Menschen vom Amt und anderen Funktionen in regelmäßigen Gesprächsrunden ihr Verhalten beurteilen und über ihre Zukunft entscheiden. Lisann, die damit hadert, dass ihr ein Gutachten eine Lernstörung attestiert hat, bekommt in einer solchen Runde von einem Mann – man weiß nicht, ob sie ihn überhaupt kennt — zu hören, dass es um „35a“ gehe. Hier wird mehr über die Jugendliche gesprochen als mit ihr, und man fragt sich, wie viel sie über ihren weiteren Weg, der hier verhandelt wird, mitbestimmen kann.

Wenn die Mädchen draußen herumtollen, schaukeln, Fußball spielen, entstehen Momente fröhlicher Ausgelassenheit. Sie scheinen dann ganz bei sich zu sein, frei und stark. Sick zeigt diese Situationen in Zeitlupe, unterlegt sie mit energiegeladener Musik. Dass die Mädchen trotz vieler Rückschläge in der Wohngruppe einüben, ihren Frieden mit sich zu machen, ihren Willen zu formen, zeigt sich auf eher unspektakuläre Weise. Das kann schon der Fall sein, wenn Lena oder Eleyna die Kamera in einer schwierigen Situation aus dem Raum verbannen. Vielleicht hätte der Film prägnanter, vor allem auch strukturierter sein können, und auch die beachtliche Länge von 135 Minuten erscheint nicht zwingend. Die Einblicke in das alltägliche Auf und Ab in der Wohngruppe, den mühsamen Weg der Stabilisierung in Not geratener junger Menschen sind dennoch informativ und berührend.